絵を思い通りに描きたい、だけど上手く描けない、上手に描けるようになりたいと思っている方は多いようですね。でも考えてみましょう。あなたのレベルがどの位で、最終的にはどうなりたいのでしょうか？

　例えばあなたが絵を楽しむだけであって、プロなどが視野に入っていないのなら、もしかするとこの考え方はナンセンスなのかもしれません。というのは、絵を楽しむだけであれば、絶対的に上手である必要は決してないからです。極端な話をすれば、下手でもいいのです。

　上手とか下手とかが何によって決まるのかを考えてみましょう。

　例えば上手いと言われる絵があったとします。これと同じものを撮影した写真を比べてみます。するとどうでしょうか？絵は写真には絶対に勝てないということがわかると思います。

　何が言いたいのかというと、絵は心の部分を表現するものである、ということを理解していただきたいのです。上手く描きたい、あるいは人に認められるレベルになりたい、と思う事は大事な部分ではありますが、それ以上に自らの心、感受性であるとか、感じたものをどう表現できるかと考える力であるとか、写真では絶対にまねのできない部分をより深く突き詰めて磨き上げることが必要になってきます。

　絵を描くためのコツや技術論はいろいろな所で学べます。時間とお金をかければ、デッサンをし、好きな絵をトレースし、模写を繰り返し、ということを地道に繰り返して行く事である程度の実力は身に付ける事ができるでしょう。

　でも、大事なのはその先です。

　別な例を出すなら、ミュージシャンを目指して作詞と作曲を歌を勉強している人がいるとします。言葉の使い方やコード進行、また、声の出し方などがある程度できるようになれば、形にはなるでしょう。でも、それだけではプロになって人に愛される歌を歌う事はできないのです。

　人の心の中に入り込んで、人の悩み、人生の行き方、恋人との辛い思いなどを考え、自分なりに言葉と音楽と声にして表現できなければならないのです。ただ、上っ面をなぞっただけでは、決してプロにはなれません。逆に言えば、このレベルで個人的に楽しもうとしているなら、それでいいのです。

　あなたがどのレベルを目指しているのかにもよりますが、絵を書いて収入を得ようと思っていないのであれば、それほど自分の絵に対して神経質になる必要はないかと思います。

　あくまでもサイト管理人考え方です。

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　誰でも上手な絵に憧れる事があると思います。漫画を見ていると、どうしてこんなに上手に描けるのかな？と思うことしょっちゅうですよね。

　そして、自分にもできるだろうと描いてみて玉砕となってしまう...　よくあることです。

　絵が上手に描けるようになる方法ってあるのでしょうか？絵が上手いね、と言われる位に描けるようになるまでには何をすればいいのでしょうか？今上手な人達は、今までどんな勉強をしてきたのでしょうか？いろいろと気になりますよね。

　こんな事はあたりまえの事だと言われるかもしれませんが、まずは絵を好きになる事です。沢山漫画を見て、絵を見て、そして実際に真似でもいいから描いてみる。これが第一歩です。ただ、絵を見ているだけでは上手になりません。とにかく手を動かす事が大切です。

　ただただ描けばいいのかと言えば、その次の段階として、少し頭に入れておいた方がいい事柄があります。例えば人の顔を描く時の流れのようなものがあります。人によって、描きたいものによってそれぞれ違いがありますが、順番としてはまず身体全体、髪、顔のシルエットを決めた方がいいでしょう。

　その次に顔のパーツである、耳、口、眼、髪の毛という流れで描いて行くといいと思います。

　細かい点ではこんな感じで捉えてみてはどうでしょうか？女性はアゴを細くする、男性は眉毛をしっかりと描く、男性は鼻を少し強調してみる、などです。

　描くものは、あなたが目指すもの、描きたいものを中心に進めていくのがいいでしょう。それに合わせて時々基礎練習のような感じで模写やデッサンを勉強していけばいいのではないかと思います。

　どのようなところに相談してみても、とにかく描くことだ、という意見が多いように思います。実際に絵が上手くなる魔法の方法などというものは存在せず、ひたすら考えて描き続けるのが一番の上達方法です。大切なのは、描く意欲を持ち続けること、訓練を続けること、結果ばかりを追い求めず、自分に厳しく取り組むことなどです。何をするにしてもそうですが、最後には努力した人が報われるという事になりますね。

　絵が上手くなる裏技的なものを求めているようなら、今すぐその考えは捨てましょう。一歩一歩、一日一日、今の積み重ねが大きな結果を生みだすのです。

　絵には不思議な魅力があります。絵を描いている人、絵を書きたい人は上手に描きたいと思う事が多いと思いますが、ある一定のレベル以上の絵を描こうとするなら、テクニック以外の部分で何か発見しなければならないかもしれません。

　もちろん基礎的な部分はとても大切です。デッサンの力や構図の描き方、水彩画の描き方など、絵を描くにあたっての最低限の勉強をしなければ、絵は描けませんので、美術の時間に習う程度の最低限の勉強は必要になります。

　ですがこれも難しいところで、いくらテクニックばかりを追い求めても、絵には感性が付きまといますので、そこを克服できないと、心に響く絵を描く事ができません。

　例えば、絵の事を何も勉強していない、美術の教育など受けた事のない画家の作品であったり、知的な部分で障害を持たれている方の絵がとても素晴らしいと思ったことはないでしょうか？これらは絵の持つ不思議な魅力の一つです。

　どのように表現して行きたいか、を考えすぎてしまうとだめなのかもしれません。努力とひらめきのせめぎ合いのような感覚が、良い絵を描くにあたって必要になるかもしれません。

　上手く描きたいと思う気持ちはもちろん必要です。ですが、上手く描きたいと思うあまり、小手先のテクニックばかりを追い求めてしまうと、レベルアップへの障害となってしまう場合もあるのです。絵は、自由に描いてみましょう。絵を描くのには、何の制限もきまりもありません。描きたくなったら、自分がこれを描きたいと思ったら描けばいいのです。そして、出来上がったものを見て、自分なりに考え、次はこんな風にしよう、ここはダメだな、とか、いろいろと考えながらレベルアップして行けばいいと思います。

　一番ダメなのは、何もしないことです。とにかく絵が上手くなりたいのなら、沢山の絵を見て、感じて、自分で描き続けることではないかと思います。

　絵はレベルが高ければ高いほど、感覚的、抽象的な事柄が多く語られるようになりますが、これは芸術全般に言える事でもあります。絵は昔から世界を動かしてきた最大の芸術です。この素晴らしい世界にいることだけでも素晴らしい事だとは思いませんか？

芸術家という職業の方々は、我々と何が違うのでしょうか？

才能と言ってしまえばそれまでですが、同じ人間なのに不思議でなりません。

ちょっと自分で書いたものや、お子様が書いたものが、ピカソ風に仕上がってフレームに収まるとしたらあなたはどう思うでしょうか？

そんな事ありえないと思いますか？

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あくまでもオリジナルの絵がベースになっていて、そこへデザイナーの手が入りますので、あなたのオリジナルはしっかりと残ります。

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そして、日本だけではなく、西洋の著名な画家達にも影響を与えたと言われているのです。

中国水墨画は、人物画、山水画、花鳥画と題材によって分けられていて、細密的描写法の工筆画、画家の主観、ロマン的な写意画という二つの表現方式があるのです。

水墨画は唐代の後半に成立し、鎌倉時代に日本に伝来しました。

中国に留学した禅僧が水墨画を持って帰ってきたり、派手好みの武家が輸入したりして広まっていったと言われています。

その当時の中国水墨画は、高級な舶来品で一部の特権階級のものとされていました。

その後、次第に、日本でも水墨画が描かれるようになりましたが、日本の水墨画家は、中国の人気水墨画家のだれそれ風にと注文されて、その人気水墨画家の描き方を真似して描いていたのです。

やがて、雪舟の中国留学によって、中国の水墨画のレプリカ風以外の作品も描かれるようになって、日本独自の水墨画が確立されていったのです。

その後、日本の水墨画は多様化し、様々な画風や愉しみ方がされています。
しかし、それでも、中国水墨画は根強い人気を保っています。

カルチャーセンターなどでは、日本の水墨画教室と並んで中国の水墨画教室が人気を集めています。

中国の水墨画家では、李成（りせい）、馬遠（ばえん）、文徴明（ぶんちょうめい）などが有名です。

雪舟は室町時代に活躍し、その構図美と独特の世界観で今でもみる人を魅了しています。

雪舟の水墨画は、現存する作品のうち、六点が国宝に指定されているのですが、雪舟以外の画家でそんなにたくさんの作品が国宝に指定されている人はいません。

雪舟は日本人で初めて、外国の切手に描かれた人物でもあるのです。

日本だけではなく、世界中に雪舟の水墨画のファンがいることが、このことを通してもわかりますよね。

雪舟はとても有名な人物なのにも関わらず、その生涯に謎が多い事でも知られています。

生きていた当時も有名人だったはずなのに、没年でさえ、明確ではないのです。

雪舟が中国（当時は明）に渡るまでの日本の水墨画家は、中国の水墨画家が描いたものを真似するという形で作品を描いていたそうです。
もちろん、中国の風景を見たことがない人達です。

その絵には実際にみていなければ描けないような現実感と迫力があります。

日本に帰ってきてからも、雪舟は旅をしてみた日本の風景を描く事で、日本の水墨画の流れを変えていったのです。

1479年頃からは、周防（山口県の東南半）の雲谷庵（うんこくあん）というアトリエで制作活動をしていたと言われています。
しかし、これもはっきりとした記録は残っておらず、アトリエの正確な位置もわからないままなのです。

まずは、筆です。
技法や描く題材などに合わせてたくさんの種類があります。

初心者はどれを買っていいものか迷ってしまうでしょう。

では、どんなものがいいのでしょうか？

とりあえず、始めは長流筆の中で大、面相筆あたりが無難でしょう。

そこから、必要に応じて好みを筆を揃えていくといいと思います。

墨や硯は習字に使ったものでかまいませんが、墨汁は使えません。

習字用と墨と水墨画用の墨は違うものであり、水墨画用の墨の方がにかわの量が多く、青系黒の松煙墨と茶系黒の油煙墨があるのです。

同じ大きさの墨の場合、持った時に軽い方がいい墨です。

硯の良し悪しは、初心者には判断が難しいので、新たに購入する場合には、シンプルな形の物がいいでしょう。

水墨画で使う紙には、麻紙（まし・あさがみ）、画仙紙（がせんし）などがあり、それぞれ特徴に応じて使い分けるようにしましょう。

麻紙は、粗い紙肌で画仙紙などに比べてにじみにくいのが特徴です。

画仙紙は、墨の吸収がよく、中国産の本画仙と日本産の和画仙があります。

水墨画の紙は産地や材料、製法などが違う紙がとても多いので、いろいろと試してみるといいと思います。

その上で、自分の描きたい題材に適した紙を使うようにするといいでしょう。

下敷きは、習字用のものでも充分使えますが、白いものの方が墨色がよくわかりやすいのでオススメです。

これらの水墨画用品の他には、水入れパレットのよに使用する白い小皿、紙を押さえておく文鎮の他に、ふきんもよく使います。

まず、小さなスケッチブックと柔らかめの鉛筆で、スケッチしてみることから始めてみましょう。

それなりに絵を描いていた経験があれば別ですが、初心者の場合は、構図の取り方や描くものの特徴の捉えかたなどを練習する必要があるのです。

スケッチに慣れて、自分で満足できるような絵が描けるようになったら、水墨画を描いてみましょう。

水墨画にはたくさんの技法があります。

それに合わせて、筆の持ち方も変わりますので、とりあえず、持ちやすい持ち方で持ってみてください。

筆は予め全部ほぐしてしまいましょう。

ほぐした筆を水に浸してから、余分な水分をふきんなどで取り、筆の先に墨をつけて、太い横線を引いてみましょう。

筆を寝かすようにして、なるべく同じ幅になるように引いていきます。

次に、筆を立てた状態で筆の先だけを使うようにして、細くて均一な線を横に引いてみてください。

この二つの線の引き方が水墨画の引き方の基礎中の基礎です。

ある程度、線が引けるようになったら、この二つの線を使って、水墨画を描いてみましょう。

細い線で輪郭を描き、輪郭を描きたくない時には太い線を使っていきます。

これでけで物足りなく感じてきたら、にじみやぼかしなどを取り入れてみてください。

少しずつ使える技法を増やしていく事で、楽しみが更に広がっていくと思います。

彼は生涯無敗の剣豪として有名ですが、思想家や芸術家としても一流でした。

宮本武蔵が描いた水墨画は、四点の作品が重要文化財に指定されています。
少ない筆の数で的確に対象を捉えた作品が多く、大胆に残された余白や構図の素晴らしさが特徴的です。

江戸時代の後期には既に宮本武蔵の水墨画は高く評価されていたようです。

その後、時代が移り変わっても、宮本武蔵の水墨画から伝わってくる高い精神性は人々を魅了してきたのです。

他の水墨画にはそれほど魅力を感じないけれど、宮本武蔵の水墨画は好きだという人も多いようです。

宮本武蔵の水墨画は、花鳥画と道釈人物画が殆どです。

花鳥画には「鵜図（うず）」、「芦雁図（ろがんず）」、「遊鴨図（ゆうおうず）」、「枯木鳴鵙図（こぼくめいげきず）」、「竹雀柳燕図（ちくじゃくりゅうえんず）」などが有名です。

この他にも、「茄子図（なすず）」、「野馬図（やばず）」などがあります。

宮本武蔵は公開しようと思って水墨画を描いていたわけではないらしく、一点を除いては署名も落款もしていなかったようです。

宮本武蔵の作品は、いつの時代も人気があった為、多くの贋作がつくられました。
非常に残念な話ですね。

また、宮本武蔵の作品ではなくても、宮本武蔵作と伝えられた水墨画も多いようですね。

真作の宮本武蔵の水墨画は、熊本県立美術館や岡山県立美術館、永青文庫などに所蔵されています。

宮本武蔵の水墨画をまだ見たことがないという方は、是非とも見ていただきたいものです。
彼の素晴らしい作品に釘付けになるかもしれません。

中国では、牡丹は繁栄や富を象徴する花として人々に大変好まれてきました。
それが、多くの水墨画家の作品の中に表れているのでしょう。

牡丹は屏風絵や襖絵の題材にもよく使われてきました。

水墨画の初心者に、描き方を教える教室などでも、牡丹は頻繁に題材として取り上げられています。

水墨画の描き方を解説した本の中には、牡丹を中心に特集したものもあるくらい、牡丹は人気の高い題材なのです。

百花の王ともいわれる牡丹の花は、描いてみると意外と難しい花でもあります。

牡丹の幾重にも重なった花びら、ふっくらとした丸み、複雑な葉の向きなどが、難易度をあげているのでしょう。

描く人によっても、牡丹の描き方は違うようですね。

墨絵で描く場合、赤い牡丹と白い牡丹では描き方を変えるのが一般的です。
また、墨の黒1色で牡丹の華やかさや優美さを表現するのは難しいため、彩色することも多いようですね。

構図を工夫して、大小の牡丹を並べてみたり、他の題材と組み合わせて描いても、面白いと思います。

有名な水墨画家達が牡丹を描いた作品の構図や描き方を比較してみるのも、興味深いかもしれません。

その水墨画家によって、牡丹の描き方や他の題材との組み合わせ方に違いがあります。

ちなみに、牡丹以外の水墨画で人気がある植物としては次のようなものがあります。

竹や蘭、菊、梅、桜、などが代表的です。

ズバリ！なるべく同じ風景を違う撮り方で撮る事です。

同じ風景でも切り取りかたや使うレンズ、シャッタースピードなどのモードを変えることによって、違う写真へと変化します。

どういう風に撮った風景画写真が一番、自分が被写体となった風景から受けた感動をみた人に伝えやすいか、撮った後に並べてみて、比較してみるといいでしょう。

風景画写真を撮るのが上手な人の作品を見て参考にするのもいいと思います。

初心者はどうしても、目に見える風景全てを写真に撮ろうとしがちです。

しかし、横長に何もかもを撮った風景画写真は、何に感動したのか対象がぼけてしまう事が多いのです。

あえて縦長に撮って、対象を絞り込んで、感動したものを強調するという方法がいいと思います。

自然の風景を撮る場合は、電線や電信柱などの人工物がなるべく写り込まないようにするのもポイントになります。

偏光フィルターを使用すれば、紅葉の赤さや雲の白さ、空の青さなどが強調された風景画写真が取れるはずです。

手作りレフ板を作るのもいいでしょう。

風景画写真の撮影に良く使われる広角レンズで、近くにあるものを至近距離で撮りながら背景である風景を効果的に入れても、面白い写真が撮れるのではないでしょうか。

また、逆行を使ったりするのもいいと思います。

他の人が撮らないアングルを追求したり、思いつかないようなアイディアを次々に見出すことで個性が発揮されていい作品ができるのではないでしょうか。